*한글은 아래로 내려주세요



SALE Exhibition Foreword

Dasom Seo (Curator at Hapjungjigu)

A neglected container somewhere in a city, a wall with posters that people just pass by several times without notice, a cart full of something, a tent with an unknown use, and an abandoned car. They are some examples of the objects in the work of Hye Kyoung Kwon. They are remnants of a city that were made with a purpose in the first place but easily forgotten and left behind after their use. Like the artist found for herself and in her life that she always has been considered a stranger while living in a foreign country for a long time. Like the ordinary objects that can be easily discarded and left behind, she has captured on her canvas the images of the things that are soon to disappear or to be forgotten.

In recent years, a wooden palette found lying around in her studio, a box used for a soap, a protective cover for the corner of a wall, and even part of a wall with some scribbles have turned into her works. The artist represents them in a 2-dimensonal form but also uses canvases to turn them into a similar form. They are actually represented in a similar shape, thickness, and texture, and arranged here and there in an exhibition place. Canvases no longer work just as 2-dimensonal objects but as units that can be assembled with various possibilities in an exhibition. The artist’s unique way of using canvases questions the status of paintings in a space and their role in contemporary art.

However, this experiment on format questions in a methodological way and it parallels with her way of understanding and examining the world. By capturing objects with a sharp sense, the artist visualizes the attributes of objects that seem so much rarer than their original number, and reveals her relationship with them with a stronger unity. How the artist actually creates objects and arrange them in an exhibition space becomes important parts of her work as their context is recreated. In other words, an exhibition is a place where the relationships of place and time with objects, and the visitor in turn with them occur. Her study abroad and the time settling back into Korea must influence this way of working. The artist calls this time of setting back to life in Korea as a transition period, which seems to be a process of examining her place from inside to outside in relation to the surroundings. Opening the third solo exhibition at this point should demonstrate her research and her search as an earnest artist.

The third sole exhibition of Hye Kyoung Kwon SALE opens at Hapjeongjigu. It still experiments with her way of methodological representations in a way, while unraveling her idea about the work and her surroundings through objects. As in the exhibition title, the exhibition talks about buying and selling, those ordinary habits of today’s society. The first floor of Hapjeongjigu is made up as a showroom for arts, and the basement is made up as a storage space for products. There are ordinary objects from a road such as a protective wall, a road safety rod, and a U-bollard (a structure for shock absorption). They are colored brightly, and stand in a show window so that they can be seen through a transparent glass instead of being fixed on the road.

A protective wall or safety rod are often discarded when their use is finished. In this respect, the objects in the exhibition spaces lost their productive value as they were moved into these spaces. And they are not the right products for a showroom that exists to sell something. People might have questions about their function and utility as they are not perfectly in harmony with this place. However, there is a possibility that they can work as artworks for visitors in the exhibition spaces instead of just being objects, and they become the objects with a new value. The artist is questioning how to view objects that lose their original function and become parts of a specific place called an exhibition space. This question continues towards the art market that decides the quality of artwork with its prices.

The artist asks fundamental question on the value of art by asking if art can be defined by value and trade as a product. In the art market today, art is defined by its marketable quality through its price. In this system an artist’s passion and experiment are just challenges against survival in real life. Hye Kyoung Kwon sets up a showroom and arranges objects in order to ask a question in this reality. Therefore, the exhibition is completed with the relationship of the artist’s question, the objects standing without marketable quality, and the visitors. As the artist pays attention to ordinary objects and represents her ideas through them, their interaction is maximized through the exhibition.

If Hye Kyoung Kwon faced herself through objects, like standing in front of a mirror in the past exhibition, she goes around objects from the inside, outside, and beyond to see the world in this exhibition. In this process, while still being a mirror, objects sometimes work as a language and medium to represent the artist’s experience. By arranging objects in the exhibition spaces, the artist meets the visitor, and triggers in them various questions, experiences, and imaginations. This experiment goes beyond the medium of painting and seeks a new way to see the world. It is in a process of setting her position under numerous relationships and events that she has experienced and in going forwards.

Objects that become heavy and light

Hyejung Jang (Independent Curator)

Hye Kyoung Kwon’s objects seem light in the canvas such as a huge container in the center of a city appeared in <Container>, a series drawn from 2013 to 2015, or a hard metal warehouse door in <The Gate> (2013), a fully loaded handcart in <Handcart> (2016), and discontinued vehicle in <REMEMBER ME> (2018). Objects that were heavy enough just by imagining were displayed as a similar size to the actual size; however, they were drawn with thin layers and speedy brush strokes as if the reappearance of its’ original weight and mass did not matter.

Objects with thin skin seems a bit unique if you think about the artists’ attitude that “the artist reflects oneself to common objects that are easily seen in everyday life.” The subjects chosen by artists are close to impermanent because they do not satisfy the ability to be main characters and has ability but not considered essential. Those objects could be seen every day but not to must be used daily, feels natural since they were never out of sight but could be replaced as well. Hye Kyoung Kwon expresses these unremarkable daily objets to the screen without resemblance, or forces to give a feel of pity and sympathy. The artist’s expression stops when the identity of the object was grasped.

The reason why the objects of Hye Kyoung Kwon are light is because the object itself is not subjected for empathy. The environment and timing found and the external gaze at the objects, in other words, the reason why the artists chose the object seemed more important. The objets that caught Hye Kyoung Kwon’s attention during studying in Germany was probably connected to the intersection point of the attitude of recognizing herself and the public eyes. The subjects she has been drawing such as leaflets on the street, wasted tire and wood palette around construction sites, masking tapes used in studio and on studio windows had no difference as she could not settle down and continued drawing on the road after returning from studying abroad. The unrecognized objects were still functional but could be replaced or disposed has met the bold brush strokes and were painted quickly and thinly just like the moment they were captured. Thus, Hye Kyoung Kwon’s reason for expressing the objects on canvas was not to rediscover its value or to give a meaning but rather to record her presence in the situation and the memory of the environment at the time. As a result, she could easily and quickly transfer the cover appearance like snapshots.

However, this thin skin divides down into two options other than recording and meets Hye Kyoung Kwon. The portrait of the objects that has huge size but with no sense of weight and mass feels like the fence screen of construction site. You could often witness the fence screen with full sized picture print at the construction site. This has two meanings that conflict each other to hide the unorganized site and to grab attentions of passengers. Most people want to avoid other’s attention and eyes when they are strangers; however, they also have a mixed desire to be acknowledged as insiders. If you observe Hye Kyoung Kwon’s light objects using this point of view, you could understand the feelings that wants to be hidden and revealed at the same time as the representation of mix and could also connect to the latest changes around the artist.

Hye Kyoung Kwon’s recent works shows the imitating works of the object’s shape and outer appearance. The painting has gained the thickness to be exact. For instance, the picture of a construction palette was drawn on the canvas with same thickness of a real wood palette and the red bucket lid was painted even to the side of a canvas. This have resulted the layers to be placed on top of each other delicately and rigidly for the audiences to imagine the objects’ weight, different from light surfaces in the previous works. These paintings were on the floor, against the wall or on the wagon like they were located at the real site instead of hanging on the wall of the exhibition. The works of objects found around the studio such as boxes, soaps, corner protectors, etc. painted in a similar appearance with the same volume was exhibited in the artist’s solo exhibition, <MEMORY DISTRIBUTION CENTER> 2018.

<A Camouflage Wall> (2019) exhibited at the end of Peace Culture Bunker residency program is a Site-specific painting produced in response to the experience during the time of program participation and distinct characteristics of the space. The residency has a unique location by being located at the park where the residents often visits and has an extraordinary space by having the parts of the wall as a glass wall. The artists at the residency could feel discomfort with a simple act of opening and closing blinds that could expose the residents’ private area into a public area in an instant. Hye Kyoung Kwon drew the camouflaged wall according to the wall exterior based on her past discomforting experience and the exhibition environment to directly express the feelings she wanted to hide and disrupt the audiences as well. Although this piece is a sensation to a highly special situation, it has a same context as it is focused on raising the confusion to create new stories with aggressive attitude that the recent works had and the outer appearance of objects that caught more attention rather than being hidden.

As Hye Kyoung Kwon’s work is in the process of thickening its outer appearance and getting out of the typical canvas. These works seem to have a different point from previous works and will be the expansion of Hye Kyoung Kwon’s spectrum of art pieces as they are the records of memory and existence. The reason for this attempt feels new is not simply because the previous objets has gotten volume and hard surface. Perhaps the distinction could be found in the agony of a chain relationship and separation from existing work. The point is possible to be discovered in the difference between “found” object and “finding” object, the reason why the brush is moving fast and slow, and why objects on the screen are light and get heavy again.

(S)he becomes a painting, enters the space and speaks

Boseul Shin (Curator Total Museum)

You meet him when you walk the outskirt of Germany. He looks extremely solid. Looks like he could tolerate any heavy rainstorm. But, no one is gazing at him. He is just there, being in existence but unnoticed. No one is caring even though he is a pretty big guy for not being recognized. He is too big to be called a trash ‘can.’ However, he is a trash can after all. A huge guy who carries daily garbage, the waste at the construction site is just a trash can after all. (<Container> Series)
I knew it. He is a door. I’m not sure which town and which building it is from, but he might be from the warehouse since it has numbers written on it. There is a trace of graffiti as well. He is probably from somewhere in the suburb area. He is an old warehouse door from the corner of a city where no one pays attention to. (<Gate> Series)
This one is a door as well but a different one. He looks like he is from an equipment on the street because there are stickers here and there and the color has faded. He has a keyhole as well. He might be a Switch box door. Wait, no. He might be a fire hydrant door since there is a sign written on top of the door. I’ve seen it millions of times when walking by but never looked at it this closely.

I have met them all in Hye Kyoung Kwon’s art pieces. They were all on the streets before they have become art works. They are walls, doors, trash cans, containers, fire alarms, warning signs, and road signs. They are all different but have one thing in common. They are the unnoticed ones. They are essential for the city to operate and the ones that boldly make up the city; however, people slide by and does not pay attention. People do not look at what they look like, what color they are, and when they’ve been there since. Those who are in everyday life and could easily be seen everywhere but no one has paid attention to has gotten Hye Kyoung Kwon’s eyes
She draws objects she meets in everyday life. However, something is lacking to call her paintings, ‘Painting of everyday life.’ The objects she has chosen to draw on the canvas are not ordinary coincident. This is like when you had no choice but to call them the guy when you were talking about trash can or containers. If the painting is about objects, we should call it, ‘still objects,’ but my heart reacts when I stand in front of these paintings.

The objects she has drawn were her. In fact, I thought that her “objects” weren’t just things even before I heard the story of the painting. The brush strokes without any hesitation and the spray stains looked like her stories. It maybe did not matter if the object was a trash can or a container. What if it was a piece of tape found on the street. The reflection of her life as a stranger in a foreign country that was her object.
The ones found in everyday life becomes a main character on her canvas. They only exist in full screen without any other information. They are placed in the middle of the painting as if their appearance and where they come from is not important. The ones that looked infinitely small at where they originally were become the main characters in the painting.
According to Hye Kyoung Kwon, she is an artist who is greatly influenced by the environment. Therefore, her works had gotten changes when she moved from Germany to Korea in 2016. If she had a feeling of empathy to the ones found in Germany, the ones in Korea were just ‘coincidentally’ found. She also composes by taking photographs. I guess we couldn’t afford to give them our hearts because we are living our lives in a busy Korean society. At the same time, she may not have had time to look deep into her feelings, or maybe chose not to look into it.
Suddenly, I thought maybe these series of changes might not be caused by the changing environment. The limit on delivering message through a media called painting. The flat surface might be insufficient to deliver what the artist feels like other many painters. Therefore, I was convinced when she said that her position on painting in contemporary art and skepticism about it led her to agonize the methodology on display. She placed wall paintings on the wall and window paintings on the window. She piled up the palette drawings on the floor and stack the paintings over paintings so they won’t be seen. She put support behind the paintings like stage sets to let it stand on its own. The drawings ‘on the wall’ has become the ones that could to be ‘walked through.’ The story surely is being continued in a nonlinear structure. Individual pieces have become a ‘unit’ as she said and it could tell stories in different forms in each exhibitions. Though more rooms for appreciation was created than the only method of ‘looking’ at the picture on the wall, the owner of the space was still painting, no matter how the space changed.
Paintings have its’ own power. It cannot be scientifically or logically proven, the brush strokes, color variation and the method have its’ own unique delivering process. There is a way of touching heart without any complicated explanations. Therefore, paintings are often more powerful and touching than any other installations. I sensed a touch to my heart even without any concept or descriptions when I first saw Hye Kyoung Kwon’s paintings. It was in the corner of the studio, not the exhibition hall, but it was enough.
To be continued.
The middle was empty. It’s not there anymore but there was a feed tank before. A canvas that looked huge compared to the small body of an artist. She is painting a story that doesn’t exist at present. Other ones will join when the piece is being placed at the exhibition. The story will end and the artists’ mind will be passed on just like that.

A Letter to the Painter

Dear Hye Kyoung,

In September 2013 I got to know you in an artist residency in Berlin. At the time you were a postgraduate student (Meisterschuelerin) at the Academy of Fine Arts Saar, Saarbruecken, Germany. It was the 4th year you lived in the small city and you wanted to move to Berlin.
In the beginning, I was impressed by the things you brought to fill the 25 square metre studio – the utensils, the laser printer, the vacuum machine, the brushes, dozens of cans of paints, empty or half painted canvases. Maybe the studio was too small for you. Compared to what you have, I was just a tourist with a backpack and luggage. You are a studio artist.

The studio is an extension of your mind. I would not try to knock the door of your studio while you are working inside. It trespasses an artist’s most private zone. Unfortunately, you move a lot to carry on your artistic life, sometimes with honour, sometimes for necessity, left in memory. This is your 7th studio. One could imagine how painful you were to relocate, again and again, let alone dozens of oversized paintings, each measuring 2-3 meters wide and high. I have not met many artists as desperate as you. No matter how little space it left, you produce. It touches your nerve when you couldn’t. Despite the pain of moving, you seem motivated by fatigue and inspired by the chaos brought to you by the new environment. As an artist nowadays, you are not an opportunist nor a fame seeker. This is also not about patience. This is a preoccupation with the admirable objects you created. For days and nights, your indulgence stops you from looking away. I see gradual but solid progress. You strive for a breakthrough.

It is natural for you to put up this exhibition. The taped parcel boxes, the packaging carton, the palette, the corner protectors and the tents just happened to appear in your daily routine. Raw materials are ordered and delivered to your studio. You process and transform them into works of art. The artworks are then distributed to different exhibition venues and back to your studio again. As an experienced art mover, you also try very hard to move yourself and the audience. For the painted objects and scenes are the traces of your studio life, I see the finest emotion in your solitude time, ina space that you are truly free, in the Memory Distribution Center.

Sincerely yours,
Silas Fong

<Memory Distribution Center> 2018.11.10 – 11. 24, Gallery Chosun, Seoul

‘Space-painting: Symbols of a variable everyday life’

Hayoung Joo (Ph.D in intg. History of Art & Cultural Studies, and Arts, Lecturer at Sungkonghoe Univ.)

‘Object-painting: Confirming existence’
Hye Kyoung Kwon started her painting and installation work based on the relationship between a main agent and a subject with objects easily found in everyday life. The found objects were not special but very ordinary so that everyone could easily see them everywhere: a recycling bin, a container box, a fire alarm, hydrant, crosswalk, road sign or warning sign; all can be easily recognized without any explanation.
The artist first got interested in this subject during her study in Germany, and started the ‘Object-painting’ series. It applied the artist’s own situation to an object, and identified a main agent with a subject. The artist’s found objects were not special but they take their role in silence, which made them special by existing. The artist attempted to determine her place in the world and to confirm her value through those ordinary objects. In other words, the artist created an alter ego by calling for empathy to the objects in her works.

‘Unit-painting: Starting a new life’
The artist who identified a main agent with a representative subject attempted a new effort in 2016. By moving from Germany to Korea, she experienced a big change in her environment and began to look around to find a new subject. Her busy life in Korea naturally led her to have an emotional distance between a main agent and subject, and thus, the artist slowly lost affection and sympathy for the subject. Instead, she began to paint objects found when traveling in a bus or car. This passing distance with objects called for a change in her work.
The big change was in the process. The artist took photos of objects accidentally found in everyday life, and attempted to observe and analyze those prints. For example, the artist reviewed the collected images, and attempted to make a grouping, separated by category, and overlapping them to create a new form. Then she represented her experiments on canvas. In the process, she did not use a pencil or paint to make a sketch but used masking tape to place her subjects. It was much more bold, which allowed tough and simultaneous expression. As a result, the objects became a block or cube that could be combined and separated with freedom of size. The artist’s painting was thus a flexible unit or representative system that symbolized the her environment and emotional changes.

‘Space-painting: Suggestion a possibility of transformation’
Hye Kyoung Kwon’s ‘Object-painting’ has continually changed and has now been extended in the ‘Unit-painting’ and ‘Space-painting’ series. The ‘Scene’ series, in 2017, combines scenes from the same place and time like in a theatre or movie. The artist maintains her method of expression in her painting, but adds diversity in the size of the canvases and the manner of their installation. An object is sometimes placed on the represented image on canvas, and sometimes placed at a distance in order to create a new aspect of space. This unexpected space – from the artist’s pursuit of a new structure – is actually reality, which reflects our everyday life.
The relationship between a main agent and a subject has been art and philosophy’s interest for a long time. Like Alfred North Whitehead (who has an important role in the process) says, philosophy claims that a relationship between a main agent and subject is not fixed but flexible; a main agent has to repeat making a relationship with a subject in order to create its existence because it only exists in this process. In other words, there is no eternal main agent and subject. The works of Hye Kyoung Kwon also exist within the boundary of her life, in which a main agent and subject are not divided but in a relationship, organically entangled. The found objects are the fruits of her effort to find a special value in everyday life representing her struggle in life. Moreover, the artist attempts to express herself and find a way to communicate through her relationship with objects. The artist has undergone a big change with her marriage, immigration, and settlement. We all look forward to see her changes and the possibility of new work.

unfamiliar experiences from conventional everyday life

Jungi Gim (Art Critic)

The paintings of Hye Kyoung Kwon start from an illusion. She realistically represents objects with brushes and sprays. In this aspect, I can say her paintings have a tendency of realism in a broad sense. However, the difference is the characteristic, made from how she sees objects. The artist paints everyday objects around her. Although art embodying everyday life can be defined to be very conventional, the reason that I am mentioning that the everydayness in her paintings seems to be unique is based on the fact that how her paintings approach to audiences as a kind of an experience.

The everyday matters that the artist uses in her paintings are not ordinary subject matters like scenery, still life or portrait but trivial and conventional things that do not have specific meanings or values as a subject of painting while the honest stories based on her experiences is being added. Today’s artists, especially painters, feel oppressed as if they paint for a divine punishment. This is because the field of painting today is drifting across the pressure of narration and the compulsion of visualizing everyday life. The effective way to reduce these burdens should be embodying an artist’s experiences honestly in art but this way has been taken by many artists already so many of them often end up in their conventional monologue. Painting about everyday life must be easy and difficult at the same time.

The important point is on the value of experiences. Not only artists but also people in general live with their own experiences of everyday life because life means the repetition of experiences. However, artists should have a specific reason for dealing with experiences of everyday life, create the emotional point that shares with audiences, and communicate with them through its progress. Then, it says that talking about unfamiliar experiences can provide differentiation because audiences can discover a new event and narration that could not be thought or felt from the new viewpoint that tries to rediscover conventional events or objects of everyday life.

The paintings of the artist from her university years in Germany represent objects that she met in everyday life in Germany such as a container and a switch box. While progressing them, she changed the subject that talks about her experiences of everyday life in the unfamiliar environment, Germany, from a person to an object. Objects should be the one that she could experience fully in the unfamiliar place where she should find difficulty of communicating with people. This was an act of realizing the personal value that gives a value to an object and an act of finding a meaning from an ordinary object in everyday life. She has proved that art reflects everyday life while working as a creative artist who creates a new event beyond everyday life with imagination thoroughly through her practice.

Her interest in unfamiliarity has been continuing even after she came back to Korea. As an artist whose role is like an invisible man’s even after coming back to Korea, she has delved deeper into the job of an artist and created the series that captures the feeling of interior spaces with such parts of a window or wall, notebook, cover of a rubber basin, wooden plate, and box. This series also has started from the idea that she wants to give a value to a trifle, and understand an object, its structure and even the essence of it. In the recent paintings, there is a meaningful change, which shows that she is looking towards the outside from the inside of her studio and finding a new experience and expression.

The paintings of Hye Kyoung Kwon clearly reflect how the environment of an artist defines a direction of practice. When coming back to Korea after studying in Germany and spreading down her roots again in Korea, she participated in the Sancheong residency program and has continued meaningful works that presents how an artist gets used to a place. Her recent works especially leave a significant impression from how they draw the interior spaces and everyday life of the Sancheong residency program. Like she had deducted the concept of her practice from the unfamiliar environment of Germany, how the artist’s practice has been localized with objects of everyday life in the Sancheong residency program positively and naturally connects her previous practice with the present.

The fact that a young artist, Hye Kyoung Kwon, painted Sancheong-specific works during the Sancheong residency is surely leading her to root back to Korea firmly as an artist who can have a positive progress and result. If the artist’s point of view were defined to be digging special feelings from an ordinary event or object of everyday life, how she recollects the environment in the Sancheong residency program into her current paintings would be the decisive factor of her recent practice. The practice of Hye Kyoung Kwon reminds the life of an artist who does not have a permanent abode. In her paintings, there are neutral viewpoint on the truth, only experienced through the life of an artist, and eyes of a realist who sees life and art as transcendental matters. This is because she is the artist who draws unfamiliar experiences from conventional everyday life as I mentioned above.


SALE 전시서문

(서다솜, 합정지구 큐레이터)

도시 어딘가에 방치된 컨테이너, 몇 번이나 그냥 지나쳤을 전단지가 붙은 벽, 무언가를 잔뜩 실은 수레, 용도를 알 수 없는 텐트, 단종된 자동차. 권혜경의 작품에 등장하는 사물은 대체로 그런 것들이다. 분명한 쓰임새가 있어서 만들어지고 사용되었지만 목적을 다한 뒤에는 쉽게 잊히고 버려질 도시의 부유물이다. 작가는 쉽게 해체되거나 버려질 수 있는 ‘흔한 사물’로부터 오랜 타지 생활에서 이방인일 수 밖에 없던 자신의 삶과 모습을 발견했고 곧 사라지거나 잊혀질 그들의 모습을 빠른 필치로 캔버스에 옮겨냈다.

최근에는 작가의 작업실 주변에서 발견할 수 있었던 나무 팔레트, 비누 포장 상자, 모서리 보호대, 심지어는 어떤 낙서가 그려진 벽의 한 부분까지 작품이 되었다. 작가는 이 사물들을 평면 위에 그려낼 뿐 아니라, 사물의 외형과 유사하게 변형시킨 캔버스를 활용하여 ‘실현’해 낸다. 실제와 같은 모양, 두께, 질감을 가지고 재현되는 것이다. 이렇게 만들어진 ‘사물’들은 전시장 이곳 저곳에 배치(또는 방치)된다. 캔버스는 전시장 벽에 걸려야만 하는 평면이 아니라, 조립이 가능한 하나의 “유닛”으로서 다양한 가능성을 품고 전시장 내에 들어서게 되는 것이다. 권혜경이 취하는 방법은 공간 내에서 회화가 존재할 수 있는 여러 가능성과 회화의 동시대적 위치에 대한 고민이 담겨있다.

그러나 권혜경의 형식 실험은 방법론적 계기에서 촉발되는 것만은 아니다. 작가가 세계를 인식하고 탐색하는 방법과 밀접하게 맞닿아 있다. 빠른 필치로 대상을 포착하여 사물이 본래 지니는 부피감에 비해 턱 없이 희박한 사물의 속성을 가시화하고 작가를 투영하던 전작의 방법에서는 사물과 작가의 관계가 두드러졌다. 그러나 ‘사물’ 자체를 만들고 전시장에 위치시키면서, 사물이 존재하는 공간과 시간, 그곳에서 발생하는 사건과 맥락이 작품의 중요한 요소가 된다. 즉, 사물(내)가 놓인 이 장소와 시간, 그 곁에선 또 다른 무엇과 사물(나)와의 관계가 전시되는 셈이다. 이런 변화에는 작가가 유학을 끝내고 작가로서 한국에 정착하는 과정에서의 경험이 적지 않은 영향을 끼친 것으로 보인다. 작가 는 지금의 정착 과정을 “과도기”라고 표현하는데, 그것은 아마 자신 주변의 개체 또는 사건과 연루된 ‘자기 자신’의 위치를 안팎으로 살펴보는 과정일 것이다. 그리고 이 시점에서 선보이는 그의 세 번째 개인전은 작가로서의 탐색과 모색을 더욱 본격적으로 전개한다.

합정지구에서 개최하는 권혜경의 세 번째 개인전 《SALE》에서는 작가의 방법적 탐구가 이어지는 한편, 사물을 통해 자신의 주변과 그에 대한 작가의 견해를 풀어낸다. 전시 제목이 함축하듯, 전시는 오늘날 사회에서는 가장 일상적이라고도 말할 수 있는 ‘사고 파는 일’에 대해 이야기한다. 합정지구의 1층 갤러리는 마치 작품을 팔기 위한 쇼룸처럼, 지하 갤러리는 상품을 보관하는 물품 창고처럼 꾸며진다. 그리고 그 안에는 방호벽, 도로 안전봉, U-볼라드(충격 흡수용 구조물)처럼 도로에서 일상적으로 볼 수 있는 사물이 들어선다. 눈에 잘 띄는 색으로 채색되어 도시의 방향을 제시하고 안전을 지키기 위해 도로 위에 굳게 고정되어 있어야 할 사물들이 통 유리로 안이 훤히 들여다보이는 쇼윈도 안에 자리한다.

방호벽이나 안전봉 따위는 일반적으로 본래의 역할을 다할 수 없다면 용도 폐기되는 일이 잦다. 그러니 이 사물들은 전시장에 들어서면서부터 상품 가치를 상실한 것이다. 무언가를 팔기 위한 ‘쇼룸’에는 적합하지 않은 대상이다. 쇼윈도 앞을 지나치는 어떤 이들은 어울리지 않은 공간에 자리한 사물의 기능과 효용성에 대해서 의문을 품을 수도 있겠다. 아니면, ‘전시장’을 방문한 관람객들에게는 기능을 발휘해야 하는 사물이 아닌 ‘작품’이라는 새로운 가치판단 기준의 대상이 될 것이다. 작가는 전시장이라는 특수한 공간에 소속되면서 본래의 기능을 상실한 사물을 어떻게 바라볼지 질문을 던진다. 그리고 그 질문은 작품을 상품 가치로만 판단하는 작금의 미술 시장에서도 유효하다.

작가는 전시를 통해 “예술을 상품 가치로 판단하고 거래하며 유통할 수 있을까?”라는 ‘예술’의 가치에 대한 본질적인 질문을 던진다. 미술 시장 내에서는 작품을 ‘상품성’이라는 가치로 판단하고 값어치가 매겨지는 것이 현실이다. 이런 구조에서 작가의 창작 열망이나 실험적인 시도는 현실적인 생존과는 동 떨어진 ‘도전’으로 여겨질 수 밖에 없다. 권혜경은 이런 현실에 질문을 던지기 위해 ‘쇼룸’이라는 공간을 상정하고 사물을 재배치한다. 전시는 질문을 던지는 작가와 전시 공간 내에서 자리잡은 ‘상품성’을 잃은 사물들, 그리고 이들을 바라보는 관람객 사이의 관계를 통해 비로소 완성된다. 일상에서 흔히 볼 수 있는 사물에 관심을 두고 그 사물을 통해 발화하는 작가의 방식은 이런 상호작용을 적극적으로 유도하고 전시장 내로 끌어들인다.
이전까지 권혜경의 작업에서는 작가가 사물을 거울처럼 마주보고 자신을 비추어보았다면, 이제는 사물의 안에서, 밖에서, 또는 그 너머에서 사물을 둘러싼 세계를 더듬어간다. 그 과정에서 ‘사물’은 여전히 작가의 거울이 되지만, 때로는 언어가 되고 작가의 경험을 압축하여 제시하는 매개체로 거듭난다. 그리고 작가는 전시장에 이들을 배치(또는 방치)하며 관람객과 만나고 다양한 의문을, 경험을, 상상을 촉발시킨다. 그런 의미에서 권혜경이 취하는 형식 실험은 단순히 회화라는 매체에 대한 질문을 뛰어넘어서 작가가 스스로를 던져 세계와 마주하는 방법적 탐색과 다름없다. 무수한 관계와 사건으로 쌓아 올려진 지금의 구조 속에서 자신의 위치를 점 찍고 다음으로 이어나가는 과정에 있는 것이다.

무거워지고 가벼워지는 사물

                                                                                                                            장혜정 (독립 기획)

캔버스 속 권혜경의 사물들은 가벼워 보인다. 2013년에서 2015년 사이 그려진 <Container> 시리즈에 등장하는 도심의 대형 컨테이너나 <The Gate>(2013)의 단단한 철제 창고 문, <Handcart>(2016)의 짐을 잔뜩 실은 손수레, 그리고 <REMEMBER ME>(2018) 속 단종된 자동차 등. 짐작만으로도 만만치 않은 무게를 가졌을 법한 사물들은 실제와 유사한 크기의 몸집을 가졌지만, 본래의 무게나 부피감의 재현은 크게 염두에 두지 않은 듯 속도감 있는 붓 터치와 얇은 레이어들로 화면에 남겨졌다.      그간 작가가 이어온 “일상에서 흔히 볼 수 있는 사물들에 자신의 모습을 투영하는 태도”를 생각해보면, 가벼운 외피를 가진 이 사물들은 조금 특이하게 느껴진다. 작가에 의해 선택되는 대상들은 전반적으로 주인공은 되지 못하는, 용도가 있지만 필수적이라고 느껴지지는 않는, 영구적이지 않은 존재에 가깝다. 매일 보지만 내가 매일 쓰지는 않을 수도 있고, 없던 적이 없어서 당연하다고 느껴지지만 무언가가 대신할 수도 있을 법한 사물들이다. 권혜경은 이렇게 특별할 것 없는 일상적 오브제를 화면에 옮기는데, 가장 닮게 그려내려고 애쓰지 않고, 애처롭거나 가여운 식의 감정을 억지로 부여하지도 않는다. 그의 묘사는 한눈에 그 대상의 정체가 파악되는 순간 그즈음에 멈춰있다.

권혜경의 사물들이 가벼운 이유는 그 자체로 작가의 감정이 이입되는 대상이라기보다는, 발견되는 환경과 시점 그리고 이를 향한 외부의 시선들, 즉 그 사물을 선택하게 된 이유가 더 중요하기 때문으로 보인다. 독일 유학 시절 권혜경의 시선이 멈추게 된 오브제는 당시 타지에서 스스로를 인식하는 태도와 타인의 시선이 교차하는 지점과 연결되었을 것이다. 귀국 후에도 여전히 정착하지 못한 상태로 이리저리 옮겨 다니며 작업을 이어가는 그가 그려내는 대상은 큰 차이가 없었다. 길거리에 붙은 전단지, 공사장 근처에 방치된 폐타이어나 나무 팔레트, 작업실 창문이나 작업실에서 매일 쓰는 마스킹 테이프 등. 여전히 기능이 있지만 대체 가능하거나 폐기가 전제되는, 주목받지 못하는 대상들은 더 대담해진 붓질과 만나 그것들이 포착되는 순간처럼 빠르고 얇게 그려졌다. 따라서 권혜경이 캔버스에 사물을 옮기는 이유는 그것의 가치를 재발견하거나 의미의 부여하기 위함이라기보다, 당시 환경에 대한 기억과 그 상황에 자신이 존재했음을 기록하려는 목적에 가깝다. 그렇기 때문에, 스냅사진처럼 빠르고 가볍게 그 외피를 전사(轉寫)하듯 남겨둘 수 있었던 것이다.

반면, 이 얇은 외피는 기록 이외에 또 다른 갈래로 갈라져 권혜경과 다시 만난다. 큰 몸집을 가지고 있으면서도 무게나 두께에 대한 감각은 제거된 사물의 초상은 일견 공사 현장의 가림막 같은 느낌으로 다가온다. 종종 공사 중이나 보수 중인 건물 모습을 실사 프린트한 대형 가림막을 공사 현장 전면에 걸어 놓는데, 이 홑겹의 이미지는 감추기 위함과 관심을 끌기 위한 두가지 목적을 가지고 있다. 대부분의 사람들은 이방인일 때, 주위의 관심과 시선을 피하고 싶지만, 동시에 내부자로 들어가 인정받고 싶은 두가지의 뒤섞인 욕망을 갖는다. 그리고 모국이라 해도 작가로서 살아가는 과정은 이 양가적인 욕망이 크게 다르지 않게 발현된다. 권혜경의 가벼운 사물들을 이러한 관점으로 바라본다면 스스로를 숨기고 동시에 드러내고 싶은 감정이 혼재된 표상으로 이해할 수 있고, 나아가 작가의 근작에서 일어나는 변화와 연결 지어 볼 수 있는 여지가 있다.

최근 권혜경의 작업을 보면 사물의 외피와 모양을 그대로 모방한 작품들이 등장한다. 간단하게는 회화가 두께를 갖기 시작한 것인데, 공사장 팔레트를 그린 작업의 경우 실제 목재 팔레트와 동일한 두께의 캔버스에, 빨간 양동이 뚜껑은 그것과 같은 두께의 캔버스에 측면까지 꼼꼼히 그려졌다. 그리고 이러한 작업은 기존의 가벼운 표면과 달리, 긴 호흡으로 겹겹의 레이어가 섬세하고 단단하게 얹혀지며 무게를 상상하게 되는 상태가 되었다. 이 회화 작업들은 벽에 걸리는 대신, 그 물건이 실제 현장에 놓이듯 전시장 바닥에 쌓여지거나 벽에 기대지고, 수레 위에 올려졌다. 2018년 개인전 《기억유통센터(MEMORY DISTRIBUTION CENTER)》에서는 작업실과 근처에서 발견되는 사물들(박스, 비누, 모서리 보호대 등)이 꼭 닮은 상태로 그려지고, 같은 부피를 가진 채 공간에 놓였다.

평화문화진지 레지던시 프로그램을 마무리하면서 선보인 <위장된 벽(A Camouflage Wall)>(2019)은 해당 프로그램에 참여한 시간 동안의 경험과 공간의 특수성에 반응하여 제작된 장소-특정적 회화 작업이다. 지역 주민들이 자주 찾는 공원 내에 위치한 레지던시는 위치뿐 아니라 스튜디오 한쪽이 전면 유리로 된 특수한 공간으로, 블라인드 여닫는 간단한 행위로 순식간에 사적인 영역이 공적인 영역으로 전환되어버리는 편치만은 않은 경험을 하게 되는 곳이다. 권혜경은 이러한 불편한 경험과 전시장 환경에 착안하여 벽의 표면을 그대로 따라 위장된 벽을 그리며, 자신의 숨고 싶었던 감정을 직접적으로 드러내고 보는 이의 눈을 교란하는 방식을 택했다. 비록 이 작업은 매우 특수한 상황에 대한 반향이지만, 근래의 작업에서 공통적으로 드러나는 적극적인 태도, 사물의 외피가 숨기기보다는 주목을 받고 나아가 혼란을 야기하여 새로운 이야기를 만들어내기 위한 목적으로 묘사되는 변화와 맥을 같이 한다고 볼 수 있다.   이제 전형적인 캔버스를 벗어나고 가벼운 외피가 무게를 갖게 되는 과정에 있는 권혜경의 작업은, 특정 환경에 대한 기억과 존재에 대한 기록으로서 그려진 이전 작업과는 차별된 지점을 가지며 작업의 스펙트럼을 확장 시키는 계기가 될 수 있을 것으로 보인다. 이 시도가 새롭게 느껴지는 이유는 단순히 기존에 등장한 오브제들이 없던 부피와 단단한 표면을 갖게 되었기 때문만은 아닐 것이다. 아직 명확하진 않지만, 아마도 그 차별점은 기존 작업과의 연쇄적 관계와 분리점에 대한 고민 속에서 찾아지지 않을까 싶다. 발견”되는” 사물과 발견”하는” 사물의 차이나, 붓의 빠르고 느리게 움직이는 까닭, 화면 속 사물이 가벼운 이유와 다시 그것이 무거워지는 이유 같은 것 말이다.

그 녀석(들)이 그림이 되어 공간으로 들어와 말을 건다.

                          신보슬 ( 토탈미술관 큐레이터)

독일의 어느 변두리 길을 걷다 보면 그 녀석을 만난다. 아주 단단해 보인다. 웬만한 비바람에 도 끄떡없을 것 같다. 하지만, 누구도 그 녀석에게 시선을 주지 않는다. 그저 거기 그렇게 있 을 뿐, 있으나 눈에 띄지 않고, 눈에 띄지 않기에는 꽤 큰 녀석인데 아무도 신경 쓰지 않는다. 쓰레기 ‘통’이라고 부르기에는 너무 거대한 녀석. 하지만, 그 녀석은 결국 쓰레기통이다. 일상 의 쓰레기를 담던, 건축현장의 폐자재를 담던, 나보다 한 참 큰 그 녀석은 결국 쓰레기통이다.

(<컨테이너> 시리즈)

단박에 알았다. 이 녀석은 문이다. 어느 동네에 있는 어떤 건물에 있는 문인지는 알 수 없지 만, 번호가 써진 것을 보니 아마도 창고의 문일지 모르겠다. 그래피티의 흔적도 보인다. 변두 리 어디에선가 온 녀석인 것 같다. 아무도 주목하지 않는 도시 귀퉁이의 창고의 허름한 문이 다.

(<게이트> 시리즈)

이 녀석도, 문인 것 같기는 한데, 다른 문이다. 여기저기 스티커가 붙어 있고, 색이 바랜 걸 보니 길거리에 있는 어떤 장치의 문인 듯하다. 열쇠구멍도 있다. 배전통의 문인 것 같기도 하 고, 아니다. 문 위에 쓴 푯말을 보니 소화전의 문인 것 같기도 하다. 지나면서 수십 번 수백 번 보았겠지만, 한번도 제대로 본 적이 없었던 녀석이다.

이 녀석들은 모두 권혜경의 그림에서 만났다. 그림이 되기 전에는 거리에 있던 녀석들이다. 벽이고, 문이고, 쓰레기통이고, 컨테이너고. 화재경보기이고, 경고문이고, 도로 표지판이다. 다 들 다른 녀석들이지만, 한 가지 공통점이 있다. 주목받지 못하는 녀석들이라는 것. 도시가 굴 러가기 위해 반드시 필요한 것이고, 당당히 도시를 구성하는 녀석들이지만, 사람들은 스쳐지 날 뿐 주목해서 보지 않는다. 어떤 모양이고, 어떤 색깔이며, 언제부터 그곳에 있었는지 살피 지 않는다. 일상에 늘 있던 녀석들, 어디서나 쉽게 볼 수 있지만 실제로 아무도 보지 않았던 녀석들에 권혜경의 시선이 닿았다.

이렇게 그/녀는 일상에서 만나는 사물들을 그린다. 하지만 그/녀의 그림을 ‘일상에 대한 그 림’이라고 하기엔 뭔가 부족한 것 같다. 왠지 컨테이너를, 쓰레기통을 이야기하면서 굳이 그 녀석이라고 부를 수밖에 없는 것처럼, 그/녀가 선택하여 캔버스로 옮긴 사물들은 그저 우연히 작가의 눈에 띤 사물이 아니기 때문인 것 같다. 사물에 대한 그림이라면 ‘정물’이라 해야 할 텐데, 녀석들의 그림 앞에 서면 자꾸 마음이 반응한다.

그/녀가 그린 녀석들은 사실 그/녀였다. 사실 그림에 대한 이야기를 듣기 전부터, 그녀의 ‘사 물’들이 그저 사물만은 아닐 것 같다는 생각이 들었었다. 휙휙 거침없어 보이는 붓자국이나 스프레이의 흔적이 왠지 그녀의 이야기인 것 같았다. 어쩌면 쓰레기통이던 컨테이너건 상관없었을지 모른다. 길거리에서 발견한 테이프 한 조각이었으면 어떠랴. 타지에서 이방인으로 살 아가는 자신의 모습에 대한 투영, 그것이 바로 그녀의 사물이었다.

일상에서 찾아 낸 녀석들이 그/녀의 캔버스에서는 주인공이 된다. 화면 가득, 그 어떤 다른 정보도 없이 오롯이 그 녀석들만 존재한다. 어디에서 왔는지 어떤 모습인지는 중요하지 않다 는 듯 그 모습 그대로 화면 중앙을 차지하고 있다. 처음에 녀석들이 있던 곳에서는 한없이 작 아보이던 녀석들이 당당히 그림 속 주인공이 된다.

권혜경의 말을 빌자면, 자신은 환경의 영향을 많이 받는 작가라고 했다. 그래서 2016년 독일 에서 한국으로 거점을 옮기면서 작업에도 변화가 왔다고 했다. 독일에서 찾아낸 녀석들이 감 정이입이 많이 되었던 것이라면, 한국에서는 그야말로 일상에서 ‘우연히’ 발견된 녀석들이라는 것이었다. 사진으로 찍어서 이리저리 구성도 해본다고 했다. 짐작컨대 바삐 돌아가는 한국사 회에 적응해 살아가면서 그 녀석들에게 마음 줄 여유가 없었을지 모른다. 동시에 자신의 감정 을 깊숙이 들여다 볼 시간이 없었을 수도 아니 보기 싫었을 수도 있다.

문득 어쩌면 이런 일련의 변화들은 어쩌면 환경의 변화 탓만은 아닐지도 모른다는 생각이 들 었다. 그림이라는 매체를 통해서 전달 할 수 있는 것에 대한 한계. 다른 많은 회화 작가들이 그렇듯, 자신이 느낀 것을 전달하는데 평면은 부족했을지도 모른다. 그래서 그/녀는 동시대 미술에서의 회화에 대한 위치와 회의감으로부터 디스플레이에서의 방법론을 고민하게 되었다 고 했을 때 수긍이 갔다. 벽에 벽의 그림을 걸고, 창이 있을 법한 곳에 창 그림을 걸었다. 바 닥에 차곡차곡 팔레트 그림을 쌓았고, 뒤에 있는 그림이 보이지 앞에 그림을 포개기도 하였 다. 마치 무대 장치처럼 그림 뒤에 버팀목을 붙여서 전시장 공간 안에 세우기도 하였다. 벽에 걸린 그림을 ‘보는 것’에서 그림들 사이로 ‘걸어 다닐 수 있게’ 되었다. 확실히 이야기는 비선 형적인 구조로 펼쳐지고 있다. 그/녀가 말하듯 개별 작품은 ‘유닛’이 되어 전시마다 조금씩 다 른 형식으로 이야기를 전할 수 있게 되었다. 벽에 걸린 그림을 ‘바라보는 것’이라는 유일한 방 식보다는 다양한 감상의 여지들이 생겼지만, 공간을 어떻게 바꾸어도 여전히 공간의 주인은 그림이었다.

그림은 그림만의 힘이 있다. 뭐라 과학적이고 체계적으로 설명하긴 어렵지만, 붓질과 색감과 방식이 전하는 특유의 전달방식이 있다. 어렵게 설명하지 않아도 마음으로 닿게 되는 길이 있 다. 그래서 그림은 종종 그 어떤 설치보다 파워풀하고 감동적이다. 권혜경의 그림을 처음 보 았을 때, 그럴싸한 개념어나 설명이 없어도, 마음으로 훅 닿는 느낌이 전해졌다. 전시장도 아 닌 작업실 귀퉁이에 놓인 상태였지만 충분했다.

to be continued.
가운데가 텅 비어 있었다. 지금은 없지만, 그 곳에는 사료탱크가 있었다고 했다. 왜소한 작가의 몸에 비해 엄청 크게 보였던 캔버스. 그 위에 지금은 없는 이야기를 그려간다. 전시장에 들어 설 때면 그 옆에 다른 녀석들이 함께 하게 될 것 같다. 그렇게 이야기는 완결될 것이고, 그렇 게 작가의 마음은 전해질 것이다.

작가에게 보내는 편지

친애하는 혜경에게,

나는 당신을 2013년 9월 베를린에 있는 예술가 레시던시에서 알게 되었어요. 그 당시, 당신은 독일 자르 조형예술대에서 마이스터과정을 공부하는 학생이었지요. 작은 도시에 4년 동안 살았고, 베를린으로 이사하기를 원했어요. 당시, 25m²(7.5평 남짓한) 스튜디오를 채우기 위해 당신이 가지고 온 식기 도구, 레이저 프린터, 청소기, 붓, 수십 개의 물감, 페인트통과 비어 있거나 반쯤 칠한 캔버스들을 보며 나는 깊은 인상을 받았지요. 그 스튜디오는 아마 당신에게 너무 작았을 거예요. 당신이 가지고 온 것들에 비교했을 때, 나는 단지 배낭과 여행용 가방만 가진 관광객일 뿐이었어요. 당신은 진정한 스튜디오 작가예요.

스튜디오는 당신이 가진 생각의 확장이었어요. 당신이 스튜디오에서 작업하는 동안, 나는 되도록 노크를 하지 않으려 했어요. 그것은 예술가의 가장 사적인 영역을 침범하는 것이거든요. 나는 당신이 작업을 지속하기 위해서 자주 이사를 했던 것이 기억에 남아요. 영예를 위해서, 혹은 필요에 의해서, 여러 가지 이유들이 있었지요. 저는 그러한 당신의 상황이 때로는 안타깝다고 느꼈어요. 이번이 당신의 7번째 스튜디오이군요. 폭이 2~3m가 넘는 수십 점의 커다란 캔버스를 들고 이사하기가 얼마나 힘든지는 누구라도 상상할 수 있을 거예요. 난 당신만큼 필사적인 예술가를 거의 보지 못했어요. 아무리 공간이 작더라도 당신은 작업을 계속해서 이어갔어요. 그것이 당신을 불행하게 하지 않았거든요. 당신은 오히려 낯선 환경에 의해 동기부여를 받고, 새롭게 마주한 혼란 속에서 영감을 얻은 것처럼 보였어요. 동시대에 활동하는 예술가의 입장에서, 당신은 기회주의자도 명성만을 추구하는 사람도 아니에요. 당신의 작업은 인내로 빚어지는 것이 아니라 사물을 그리는 과정에서 나타나는 훌륭한 심취에요. 며칠 밤낮으로 이어지는 당신의 작업에 대한 몰두는 당신의 시선이 다른 곳으로 옮겨가는 것을 허용하지 않지요. 나는 당신의 작업에서 점진적이지만 확실한 진보를 봤어요. 당신은 언제나 새로운 돌파구를 향해 움직이는 듯 보여요.

이번 전시는 당신을 그대로 보여주는 것 같아요. 테이프가 붙은 소포 상자, 포장 상자, 팔레트, 모서리 보호대 그리고 텐트 등 그냥 우연히 당신의 일상에 나타났어요. 원료는 주문되어 스튜디오로 배달되고 당신은 그것들을 예술 작품으로 변형시키지요. 그리고서 이 예술 작품들은 다른 전시 장소로 배포되고 스튜디오로 다시 돌아와요. 숙련된 예술 배송 가로써, 당신은 당신 자신과 관객의 감동을 위해서 매우 열심히 노력해요. 그려진 사물들과 당신의 스튜디오 내부의 삶의 흔적 때문에 당신이 진정으로 자유로운 공간인 ‘기억유통센터’에서 나는 당신의 고독한 시간 안에 가장 섬세한 감정을 볼 수 있어요.

진심을 담아,
실라스 퐁

<기억유통센터> 2018.11.10 – 11. 24, 갤러리 조선, 서울

공간회화’: 가변적 일상의 표상

 주하영 (문화예술학 박사, 성공회대학교 외래교수)

사물-회화: 존재의 확인

일상에서 쉽게 발견할 수 있는 사물을 회화와 설치로 표현하는 권혜경의 작업은 대상과 주체 사이의 관계에서 시작된다. 작가가 발견한 오브제는 그곳에서만 발견할 수 있는 어떤 특별함이 있기보다는 어디에나 있을 법한 흔한 사물이다. 예를 들면 재활용 쓰레기통이나 컨테이너 상자, 화재경보기, 소화전, 횡단보도, 도로 표지판, 경고문 등 대상이 무엇인지 쉽게 식별 가능할 뿐만 아니라 그 용도가 무엇인지도 다양한 언어로 정확히 사물에 적혀있거나 부착되어 있다. 독일 유학시절 처음으로 관심을 갖게 된 ‘사물-회화’ 작업 시리즈는 작가가 처한 상황에 사물을 대입시켜 대상과 주체를 동일시한 작업이다. 작가가 발견한 사물들은 아주 특별하진 않지만 묵묵히 제 역할을 하며 그곳에 있고, 또 없어서는 안될 오브제이기에, 작가는 이러한 평범한 대상을 통해 자신의 위치를 묻고 존재 가치를 확인하고자 하였다. 즉, 작가는 대상과의 감정이입을 통해 자신의 ‘또 다른 자아(Alter ego)를 만들며, 이를 작품으로 표출해 왔던 것이다.

단위-회화: 새로운 삶의 시작

재현 대상과 주체를 동일시했던 작가는 2016년 이후, 작품에 새로운 시도를 하게 된다. 우선, 독일에서 한국으로 삶의 터전을 바꾼 작가는 급격한 환경 변화를 겪었고, 새로운 대상을 찾기 위해 바삐 움직이며 이리저리 옮겨 다니며 살게 되었다. 작가의 분주한 움직임과 일상은 자연스레 재현 대상과 주체 사이의 감정적 거리를 벌리게 되었고, 대상에 대한 애착과 연민은 저절로 사라지게 되었다. 이렇게 복잡한 상황 속에서 작가는 버스나 자동차로 이동하면서 우연히 발견한 사물들을 회화로 옮기기 시작했고, 대상과의 무심한 거리두기를 통해 작품에도 새로운 변화를 맞게 되었다. 우선 작업 방식의 변화이다. 작가는 일상에서 우연히 발견한 대상들을 수집하듯 사진 찍고, 이를 인화하여 다시 관찰하고 분석하는 과정을 반복하였다. 예를 들면, 수집된 대상들의 이미지를 나열해 본 뒤, 이를 하나의 그룹으로 묶기도 하고, 분리해 보기도 하고, 또 겹쳐보기도 하면서 새로운 조형 체계를 만들고자 하였다. 이러한 일련의 과정이 끝나면 바로 캔버스에 회화 작업으로 대상들을 재현하였다. 연필이나 물감으로 스케치하는 과정 대신, 캔버스에 마스킹 테이프로 대상의 위치를 지정하는 작가의 작업 방식은 이전과는 달리 대범해졌고, 대상을 섬세하게 관찰하여 천천히 그리기보다는 빠른 필치로 굵고 거칠게 표현하였다. 이렇게 표현된 대상들은 하나의 변용 가능한 블록이나 큐브가 되어 접합과 분리가 가능하며, 크기와 규모에서도 자유로운 변화가 생겼다. 이제 권혜경의 회화 작업은 하나의 유동적인 단위이자 작가가 마주한 환경과 감정적 변화를 대변하는 표상 체계가 된 것이다.

공간-회화: 변용 가능성의 제안

권혜경의 ‘사물-회화’는 ‘단위-회화’로, 그리고 다시 변용 가능한 ‘공간-회화’로 계속해서 변화하고 확장된다. 올해 들어 시작한 <장면> 시리즈는 연극이나 영화를 구성하는 극의 한 단위처럼, 동일한 장소와 같은 시간 내에서 가져온 한 장면의 모습과 이미지들을 다양하게 조합하여 만든 작업이다. 작가는 회화로 대상을 표현하는 방식은 유지하되, 캔버스의 크기와 설치 방법을 달리하였다. , 캔버스에 재현된 이미지 위에 다른 캔버스에 그려진 대상을 놓기도 하고 또 분리하기도 하면서 작품들이 인위적으로 얽혀 새로운 공간을 형성하게 하였다. 이렇게 자유롭게 구축된 공간은 현실의 모습이자 일상의 반영이기도 하고, 새로운 구조를 찾고자 하는 작가의 삶의 방식이자 고민이기도 하다. 대상과 주체 사이의 관계는 예술과 철학의 오랜 관심사이다. 과정 철학의 중심에 있는 화이트헤드(Alfred North Whitehead)는 주체와 대상의 관계가 고정된 것이 아니라 유동적임을 주장한 것처럼, 주체는 자신을 생성하기 위해 대상과의 관계 맺는 과정을 반복해야만 하고, 이러한 과정에 있을 때만이 주체가 된다는 것이다. , 영원한 주체도 객체도 없는 셈이다. 마찬가지로, 권혜경이 추구한 작업도 자신의 삶의 작은 테두리를 담고 있으며, 대상과 주체가 이분법으로 나뉘는 것이 아니라 서로 관계 맺으며 유기적으로 얽혀있다. 직접적인 경험을 통해 발견한 오브제들은 일상에서 특별한 가치를 찾고자 한 작가의 노력이자 곧 자신을 찾고자 했던 어렵고 힘든 투쟁의 산물이었던 것이다. 또한, 작가는 대상과의 관계를 통해 자신을 표현하고 소통하는 통로를 찾고자 했던 것이다. 그러기에, 결혼과 이주, 정착이라는 새로운 변화와 삶의 도약을 맞은 권혜경 작가에게 이전과는 다른 작품의 가능성을 기대해 보며 더 앞으로 전진하기를 희망해 본다.

상투적인 일상으로부터의 낯선 체험

김준기 (미술평론가)

권혜경의 회화는 일루전에서 출발한다. 그는 브러쉬와 스프레이를 사용해 사물의 형상을 사 실적으로 재현한다. 이런 면에서 보면 그의 회화는 넓은 의미의 리얼리즘 경향을 나타냈다. 하지만 그의 작업이 일반적인 리얼리즘 회화들과 차별하는 지점은 바로 그가 바라보는 재현 대상의 특이점이다. 그는 자신이 만난 일상의 사물들을 그린다. 일상을 담는 예술은 어찌보 면 특이점이라기보다는 상투성에 가깝다. 그런데도 필자가 그의 일상성이 특이점으로 나타 난다고 언급한 것은 일반적인 일상의 예술에 비해 권혜경의 일상 회화가 같은 체험으로서의 회화에 가깝기 때문이다.

권혜경이 의미를 두는 일상은 풍경이나 정물, 또는 인물과 같은 일반적인 재현대상들이 아 니라 회화의 주제로 삼기에 특별한 의미나 가치를 두지 않는 시시하고 상투적인 것들이면서 도 자신의 체험으로부터 나온 진솔한 자기 이야기들이다. 오늘날의 예술가들, 특히 회화 작 업을 주로 하는 예술가들은 천형과도 같은 중압감이 있다. 그들에게 주어진 무거운 짐은 거 대한 서사의 압박과 일상적 미시성의 강박 사이에서 표류하고 있는 회화의 위치 때문이다. 이러한 부담을 떨치는 유력한 방법 중의 하나가 예술가 자신의 체험을 진솔하게 담아내는 일인데, 이러한 태도마저도 다수의 예술가들이 취하는 것이어서 대략 상투적인 자기독백에 그치는 경우가 허다하다. 그러나 일상성의 회화란 쉬우면서도 어려운 일이다.

문제는 체험의 가치에 있다. 예술가는 물론이고 일반인 모두 일상의 체험을 안고 산다. 산 다는 것은 체험의 연속이기 때문이다. 하지만 예술가가 일상의 체험을 다루는 데는 나름의 뚜렷한 이유가 있어야 한다. 그래야만 그 예술가의 체험을 대면하는 관람자와 감성적 공유 지점을 만들면서 공감의 소통을 할 수 있기 때문이다. 그런 점에서 일상 담론이 차별화하는 유력한 방법은 낯선 체험을 담아내는 일이다. 상투적인 일상의 사건이나 사물을 낯선 시각 으로 재발견하려는 시선으로부터 우리는 미처 생각하지 못했거나 느끼지 못했던 새로운 사 건과 서사를 발견할 수 있기 때문이다.

독일 유학시기의 작업들은 독일의 일상 생활에서 만나는 사물들을 담고 있다. 콘테이너나 배전함 등 자신이 만난 일상의 사물들이다. 그는 낯선 환경에서 만난 일상의 체험들을 풀어 나가는 소재를 사람에서 사물로 전환했다. 사람과 사람 사이의 소통이 상대적으로 어려운 낯선 곳에서 그가 체험적으로 다룰 수 있는 대상이 일상의 사물들이었다는 것이다. 그것은 사물에 가치를 부여하는 체험적 가치의 발현이며, 스치고 지나가버리곤 하는 흔한 사물에서 의미를 발견해내려는 태도이다. 그는 예술이 일상의 반영이면서 동시에 일상을 넘어서는 상 상력을 발휘해서 일상을 넘어서는 새로운 사건을 만들어내는 창조적인 행위라는 점을 잘 보 여주고 있다.

한국에 귀국한 이후의 작업들도 낯섦에 대한 그의 관심은 끊이지 않고 있다. 한국에서도 투 명인간 같은 위치를 가지고 있는 예술가로서, 그는 예술가라는 직업의 특성에 천착해서 실 내 공간의 감성을 잡아내는 연작을 하고 있다. 창문이나 벽의 일부를 담거나 공책, 고무대야 뚜껑이나 나무 널판지, 상자 등을 그것이다. 이 역시 하찮은 것에 가치부여를 하고, 사물 의 현상과 구조, 그리고 본질을 파악해보고자 생각에서 나온 작업들이다. 그가 작업실 내부 로부터 조금씩 그 외부로 시선을 돌리며 새로운 체험과 표현을 찾아나가고 있다는 점 또한 근작들에서 나타나고 있는 유의미한 변화들이다. 권혜경의 회화는 예술가가 처한 환경이 그의 작업 방향을 결정한다는 점을 잘 보여주고 있 다. 그는 독일 유학 이후 한국에 다시 뿌리를 내리는 과정에서, 산청에 머물면서 작업하고 있는 예술가의 현지화 과정으로서 유의미한 작업을 이어나가고 있다. 그의 최근작들은 특히 산청의 레지던스 공간 실내와 주변부의 일상을 끌고 들어온다는 점에 주목해볼만 하다. 그 가 독일의 낯선 환경들로부터 일상의 사물 작업 개념을 도출했듯이, 산청 레지던스에서 만 난 일상의 사물들과 연관한 일련의 작업들은 창작의 현지화라는 점에서 긍정적으로 자연스 럽게 연결되는 지점이기 때문이다.

산청에서의 레지던스를 통하여 청춘의 한 시기를 살아가고 있는 그의 작업이 산청특정적인 예술로 이어지고 있는 것은 예술가로서 권혜경이 튼튼하게 뿌리내리는 데 매우 긍정적인 과 정과 결과를 낳고 있다. 누구나 접할 수 있는 일상의 사건과 사물로부터 특별한 감성을 캐 내는 것이 권혜경의 태도라고 볼 때, 그가 처한 삶의 조건, 즉 산청의 레지던스라는 공간에 펼치진 일상들을 어떻게 새로운 시선으로 환기하느냐 하는 문제는 그의 근작을 구성하는 결 정적 요소이다. 권혜경의 태도는 비정주라는 특성을 가지고 있는 예술가의 삶을 반영한다. 그의 작업에는 예술가의 삶을 통해서 주어지는 체험적 실체들을 대면하는 그의 담담한 시선 에 삶과 예술을 불이(不二)로 보는 리얼리스트의 태도가 담겨있다. 전술한 바와 같이 그는 상투적인 일상으로부터의 낯선 체험을 끌어내는 예술가이기 때문이다.

PDF: 상투적인 일상으로부터의 낯선 체험- 김준기 (미술평론가)-  2016